Copy Link
Add to Bookmark
Report
La caja de musica Number 0604
/-------------------\
| XXX |
\__ | XXX X | __/
\__ | XXX X | __/
\__ | X X | __/
| X X |
--------- | X X | ---------
__ | X .-.X | __
__/ | X /XXXX | \__
__/ | .-.X XXXX/ | \__
/ | /XXXX `""´ | \
| XXXX/ |
| `""´ |
\-------------------/
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
============================================================================
LCDM: #604 octubre 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
----------------------------------------------------------------------------
* Soft Machine Seven
* el primero de QVL
* Taifa: maqueta "Fe" (2004)
* Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago" (2000)
* Franco Falsini - Cold Nose (1975)
* Moongarden: "Round Midnight" (2004)
* Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973)
* Aktuala: "Aktuala" (1973)
* Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972)
* Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973)
* Franco Battiato: "Fetus" (1972)
* Documentales musicales
* Documentales musicales (2)
* Far East Family Band en 1976
* Matraz: "Gritare" (2004)
* el 2do. de Faust
* Devil Doll - Sacrilege of Fatal Arms (1993)
* Yes / "Close to the Edge"
* Yes / "Yessongs"
* Yes / "Tales From Topoghaphic Oceans"
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Soft Machine Seven
SOFT MACHINE: Seven (1974)
Temas
1. Nettle Bed
2. Carol Ann
3. Days Eye
4. Bone Fire
5. Taraboe
6. D.I.S.
7. Snodland
8. Penñ Hitch
9. Block
10. Down the Road
11. The German Lesson
12. The French Lesson
Integrantes
- Roy Babbington: bajo, contrabajo
- Karl Jenkins: piano electrico, oboe, saxos soprano y baritono, flauta
dulce
- Mike Ratledge: organo, piano electrico, sintetizador
- John Marshall: bateria, percusion
Contando con un solo miembro original y con un Jenkins que cada vez hace
notar mas su presencia dentro de Soft Machine, la banda ya queda enfilada
dentro de los senderos mas marcadamente habituales del jazz fusion: la
influencia del jazz americano de Weather Report y Miles Davis es mas patente
que nunca antes. El gusto de Jenkins por manejar el piano electrico en un
buen numero de las piezas de este repertorio permite al veterano Ratledge
asumir con mas soltura sus solos de organo y sintetizador, dando rienda
suelta a su estilo envolvente, aunque sin la agresividad frontal que habia
caracterizado al sonido de SM durante la era Wyatt. Este abierto predominio
de la sutileza sobre la enegia tambien se hace patente en las intervenciones
de Jenkins en los vientos y la labor de Babbington en el bajo (este ultimo
maneja el bajo como una extension del contrabajo, que es en realidad su
fuerte); toda esta cobertura encuentra un apropiado apoyo en las exquisitas
bases ritmicas provistas por Marshall.
Nettle Bed abre el disco con un espiritu abiertamente extrovertido y
alegre, mientras que Carol Ann se concentra en una serie sencilla de
acordes exhibida a traves de una tenue melancolia. La secuencia de los temas
3-6 es la parte mas lograda del disco EMHO. Comenzando con un motivo
cadencioso, en el cual se combina una dulce melancolia y un moderado
entusiasmo, el saxo soprano y el organo se van turnando en las sacudidas de
sus respectivas libertades expresivas, hasta que surge un nuevo motivo mas
abiertamente entusiasta; en el bloque final de este motivo surge una
secuencia realmente ingeniosa y brillante de redobles en manos de un
Marshall realmente elevado, mientras que el piano electrico, los metales y
el bajo van marcando las sicopas del caso; este bloque sirve de interludio
para el alucinante D.I.S., un collage percusivo armado por una serie de
golpes de platillos, gong, cencerros, y otros elementos reciclados a traves
de un aparato de ingenieria un guiño a los tiempos de la psicodelia, sin
la energia de los primeros tiempos de SM, pero con el mismo gusto por evocar
climas alucinogenos y descontructivistas. El lado B del vinilo se inicia con
Snodland, una languida seccion de piano electrico, bastante onirica, que
luego da paso a la secuencia de los dos temas siguientes, los cuales
mantienen el espiritu general de los temas 1, 4 y 5. Ya para entonces no
necesitamos escuchar mas para hacernos una idea de la orientacion musical
del disco, aunque todavia hay algunas sorpresas en la serie de los tres
ultimos numeros. Down the Road nos devuelve el espiritu meditabundo del
tema 3, hasta desembocar en The German Lesson y The French Lesson, una
serie fluida de cortinas de sintetizador y organo que destilan un cierto
aire inesperado de inescrutable misterio. Sin duda, estas dos piezas tambien
sirven para echar una ocasional mirada hacia los añejos primeros tiempos del
grupo.
En suma, Seven es un disco de factura exquisita y elegante que da muestras
del buen funcionamiento de las fuerzas creativas de esta maquina musical
que, es cierto, ya ha perdido esa voz peculiar y especial que habia estado
enarbolando en los tiempos en que Wyatt y Hopper contaban con un adecuado
campo para expresarse: con todo, a la luz de lo ofrecido por este disco, SM
sigue siendo un punto de referencia obligado para los amantes de la musica
de vanguardia con fundamentos firmemente jazzeros.
Cesar Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el primero de QVL
QUELLA VECCHIA LOCANDA: Quella Vecchia Locanda (1972)
Temas
1. Prologo
2. Un Villaggio, unIllusione
3. Realta
4. Immagini Sfuocate
5. Il Ciego
6. Dialogo
7. Verso la Locanda
8. Sogno, Risveglio e...
Integrantes
- Massimo Roselli: pianos, organo, mellotron, moog, espineta, coros
- Giorgio Giorgi: voz, flauta, octavino
- Raimondo Cocco: voz, guitarra electrica, clasica y de 12 cuerdas,
clarinete
- Donald Lax: violin clasico y electrico
- Romualdo Coletta: bajo
- Patrick Fraina: bateria, percusion, coros
El disco debut del sexteto italiano Quella Vecchia Locanda merece ser
considerado como uno de los tesoros mas valiosos de la tradicion prog
italiana de los añejos años 70s. Se trata de un trabajo bastante lleno de
energia electrizante y fuego apasionado, el mismo que proviene de las raices
rockeras y blueseras de la mayoria de los musicos integrantes; pero a pesar
de ello, el estilo grupal de QVL no puede calificarse como progresivo hard
(lo cual si resulta apropiado para combos tales como Museo Rosenbach,
Metamorfosi o Biglietto per lInferno). Bueno, es un hecho inapelable que
este ensamble puede rockear de manera contundente, algo de lo cual dan fe
los potentes riffs de guitarra, contundentes lineas de bajo y fieras
intervenciones de bateria que hacen acto destacada presencia en varios
lugares del repertorio. Pero si tomamos a este repertorio como un todo, uno
se puede percatar facilmente de que igual relevancia tiene la presencia de
los motivos barrocos y la sensibilidad intimista de corte mediterraneo
dentro del sonido global de QVL. El resultado final que se produce con esta
combinacion de fuego, luz diamantina y brisa permite a QVL emparentarse con
grupos tales como PFM y Murple (y acercarse tanto a JT como al lado mas
abiertamente melancolico del primer KC), aunque de ninguna manera resulta un
clon de estas dos bandas que acabo de poner como ejemplo. Las partes vocales
tambien forman una parte esencial dentro del grupo, aunque es cierto que las
letras no son realmente abundantes: el flautista y el guitarrista se
alternan inteligentemente de acuerdo a las exigencias especificas del
momento, segun las exigencias propias de sus diversos rangos y niveles de
potencia. El derroche de inteligencia artistica desplegado en los dialogos
entre los musicos a traves de los diversos pasajes de cada tema es tal vez
la virtud mas descollante de Quella Vecchia Locanda.
Un instrumento que destaca con luz propia dentro del ensamble instrumental
es el violin, tocado por el norteamericano Donald Lax: a pesar de ser el
ultimo musico en integrar el grupo, su presencia resulta relevante, no
reduciendo su instrumento a un mero ingrediente añadido a ultima hora,
sino convirtiendolo en un medium para reconstruir las composiciones con un
toque de distincion que permite a estas levantar el vuelo pretencioso que
tan tipicamente viene exigido por la esencia comun del prog sinfonico. Esto
viene reflejado de manera muy evidente y existosa en los dos primeros temas
del disco, excitantes y sofisticados a la vez, apropiados para causar un
impacto hipnotico en el oyente: tambien escucharemos mucho de esto en los
temas 5, 6 y 7. En verdad, es increible lo bien que se acoplan esas
introducciones e interludios barrocos de la mano de Lax, asi como el modo en
que sus armonias se acoplan a las partes de guitarra y teclado, sin que por
ello el filo rockero del grupo se pierda en lo mas minimo. Realta, por su
parte, expone el lado mas lirico del grupo, siendo asi que la guitarra
clasica y la flauta pasan a ser los protagonistas del ensamble instrumental.
Las siguientes cuatro piezas se agrupan en sendos dipticos, los mismos que
se convierten en manifiestos de las ambiciones artisticas mas pretenciosas
del grupo, dejando un cierto campo abierto para el lucimiento de cada musico
a lo largo del desarrollo de los motivos melodicos y armonicos formalmente
compuestos: imagino que las limitaciones del formato de vinilo no permitio
al sexteto expandirse mas alla de lo que aparece editado en esta grabacion,
pues es cierto que el asunto daba para mucho mas, especialmente en lo que se
refiere a las partes dedicadas a los jams y las improvisaciones
individuales. El diptico conformado por Dialogo y Verso la Locanda es
EMHO lo mejor del disco. La hora del cierre viene con el hermoso nocturno
Sogno, Risveglio e..., el cual viene apoyado sobre hermosos acordes piano
complementados por etereas cortinas de violin y mellotron: el ambiente de
ensoñacion aludido en el titulo esta muy bien logrado en esta conmovedora
pieza.
Dado el hecho de que este disco no logra transmitir al 100 % la fineza
potencial de QVL, debo reconocer que en cuanto al balance general, prefiero
su segundo disco Il Tempo della Gioia. Pero lejos de querer orientarme
hacia un desmerecimiento de este disco en particular, muy por el contrario
termino repitiendo que Quella Vecchia Locanda constituye un estupendo
tesoro del prog italiano.
Cesar Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Taifa: maqueta "Fe" (2004)
Taifa: "Fe" (2004)
Discografica: Maqueta autoproducida
Temas:
1. "Fe" (4:09)
2. "Las torres de babel" (4:16)
3. "Nada que perder" (5:15)
Musicos:
- Angel Rios: Bateria
- Sion Vives: Guitarra
- Luis Massot: Voz, Bajo y Samplers
Taifa es un grupo mallorquin que practica un Rock duro Andaluz, muy
influenciado por el Heavie rock andaluz de los cordobeses Medina Azahara.
Su primer disco se titulo "Mas alla del sur (1999), fue producido por el
cantante Manuel Martinez de Medina Azahara y editado por el sello Avispa.
Por aquel entonces tambien se autoproducieron un video titulado Guitarra.
Espejo de mi alma.
Este año vuelven con la maqueta "Fe" producida por el guitarrista flamenco
Juan Moreno que tambien pone su granito de arena en la grabacion, que a
diferencia de la primera el cercamiento al Metal es mas patente y el
alejamiento de cualquier referencia al progresivo o al rock andaluz
setentero mas lejano. La maqueta contiene aquel videoclip grabado en su
anterior maqueta "El espejo del alma".
La maqueta comienza con Fe, un tema muy Metal progresivo con vocales con
el "deje andaluz" caracteristico de las bandas de Rock Andaluz , luego Las
torres de babel y Nada que perder son dos temas tambien muy metalicos y
pegadizos donde se oyen algun que otro samplers.
Para conseguir la maqueta y el videoclip:
www.reinodetaifa.com
reinodetaifa@hotmail.com
Salu2 metalandalucesprogresivos
Juan
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago" (2000)
Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago"
Discografia: Lizard
Temas:
1. Gioco del Mago
2. Tarantella del Gatto
3. Ladybird Dance
4. Petra
5. Il domatore di leoni
6. Fantasia e cadenza
7. Tone of innocence
8. Gun powder
9. A short story
10. Vorrei Partire
11. Tangata su nave che affonda
12. Fotogramma
13. Transeunte
14. Tango
15. Tarumba
Musicos:
- Nino Cotone: Violin
- Giuseppe Brancaccio: Bassoon
- Maximilian Brooks: Piano, Vocals
- Pietro Lusvardi: Contrabass
Invitado:
- Beppe Ronzoni: Drums, Percussions
DISCOGRAFIA:
- 1997 Danae (auto-producido)
- 2000 Gioco del mago
- 2001 Pieroino
- 2002 Progetto Contrabbasso
- 2003 Leolombrico
Este quarteto de camara italiano llamado Gatto Marte, nos ofrecen en este su
segundo album, un progresivo enmarcado en la musica de camara y ciertas
inclinaciones jazzeras y de folk.
"Il Gioco del Mago" esta compuesto de 15 temas, donde la mayor progresion
las encontramos en los primeros 8 temas para seguir ya en un tono mas de
musica clasica.
Comienza con el tema instrumental que da titulo al album (1) "Gioco del
Mago" que tiene un deje muy clasico, bohemio, romantico y teatral, quizas el
mejor tema del album... que continua en el burlesco (2) "Tarantella del
Gatto" y la barroca danzarina (3) "Ladybird Dance".
En (4) "Petra" hay unos momentos de descanso a cargo de un solo de piano
clasico. En (5) "Il domatore di leoni" llegan los primeros toques de jazz
mezclados con lo clasico. En (6) "Fantasia e cadenza" Giuseppe nos ofrece
un solo de Violonchelo que da paso al piano y violin y al primer tema
cantado por Maximilian Brooks en (7) "Tone of innocence"., un tema realmente
diferente a lo anteriormente escuchado.
Vuelve el Contrabajo y el violonchelo en (8) "Gun powder" que nos trae algo
de psicodelia cantada... Luego tenemos (9) "A short story" y (10) "Vorrei
Partire" que nos introduce en los momentos mas clasicos y romanticos.. la
musica se desvanece a partir de aqui en una sucesion de musica clasica de
camara hasta llegar al tango y al canto de taberna final del tema (15)
"Tarumba" .
En definitiva un album de musica progresiva realizado por un cuarteto de
camara... o quizas sea algo mas y yo no lo capte ;-)).
Puntuacion: 5.5/10
Salu2 cuartetoprogresivos
Juan
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Franco Falsini - Cold Nose (1975)
Franco Falsini : "Cold Nose" (1975)
Discografica: Polydor
Temas:
1. Parte 1 10.21
2. Parte 2 06.53
3. Parte 3 20.03
Musicos:
- Franco Falsini: Guitarra, moog, organo, teclados Eminent
- Manolo Requena Coramina
- Paco Francisco Villalonga
- Jan Pugh
Franco Falsini fue una de las primeras figuras italianas del progresivo a
finales de los 60's donde intervino en grupos como Noi Tre y siendo lider
Sensations' Fix, este ultimo fue un grupo atipico italiano que ejecuto
sonoridades provenientes del Kautrock aleman.
En 1975 Franco Falsini edito el album "Cold nose" para una pelicula
documental basada en la cocaina filmada por Filippo Milani que nunca vio la
luz. En el album escuchamos musica planeadora al estilo desarrollado tambien
en Sensation's Fix o a atmosferas a lo Tangerine Dream o Klaus Schultze,
guitarras distorsionantes y cosmicas acompañadas de interminables secuencias
de sintetizador al mas puro estilo Kautrock,
de sintetizadores en el cual cada textura creada tendia siempre a ... todo
de la mano del multistrumentista italiano Franco Falsini (guitarra, moog,
organo, teclados Eminent, etc...)
En muchas ocasiones sus arreglos maman directamente del rock planeador
aleman y de las . Sus textos, escondidos como siempre por detras de sus
distorsiones, abundan en la preocupacion por la nada y en las situaciones
triviales, los temas preferidos de los granadinos
Quien guste del Kautrock mas planeador y cosmico electronico deberia
escuchar este album.
Puntuacion: 6/10
Cosmicokautrockitalianos salu2
© Juan
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Moongarden: "Round Midnight" (2004)
Moongarden: "Round Midnight" (2004)
Discografica: Galileo Records
Temas:
1. "By the way..." (00:42)
2. Round Midnight (7:06)
3. Wounded (7:25)
4. Killing The Angel (4:53)
5. Lucifero (6:36)
6. Slowmotion Streets (5:47)
7. Learning To Live Under The Ground (10:24)
8. Coda: Psychedelic Subway Ride (1:56)
9. Nightmade Concrete (5:42)
10. Oh, By The Way, We're So Mañ In This City And So Damn Alone (1:54)
Musicos:
- Luca Palleschi: vocals
- Cristiano Roversi: stick, keyboards, bass
- Max Sorrentini: drums
- David Cremoni: guitar
- Mirko Tagliasacchi: bass
Sorprendente giro musical de estos italianos que nos ofrecen en este su
quinto album un trabajo hiper melodico y atmosferico, en una linea muy a lo
Steven Wilson y RadioHead, vamos un intermedio entre a tranquilidad de No
Man y la energia de Porcupine Tree y Radiohead.
Es de esta manera como nos encontramos con temas que comienzan suavemente
para entrar en unos ritmos entre lo moderno de Porcupine Tree, buena muestra
de ello lo encontramos en (3) "Wounded" y (5) "Lucifero" y a Radiohead como
es el caso de (4) "Killing The Angel", donde Luca canta muy a Thom Yorke de
Radiohead, aunque tambien hay temas atipicos como la metal progresiva en (7)
"Learning to live under the ground".
Buenos momentos tambien para el Mellotron en (3) "Wounded" o el Cello de
Marco Remondini y el Oboe de Francesca Leasi en 6) "Slowmotion Streets"
Mi tema favorito seria los dos que abren el album, la pequeña introduccion
con efectos de sonido de la noche en una ciudad (1) "By the way..." y
seguidamente (2) "Round Midnight", un tema muy ritmico causado por el sonido
del Chapman Grand Stick y los sintetizadores resultando muy pegadizo con
ciertos aires a New Age.
En conclusion, olvidar a los antiguos Moongarden, bienvenidos a los nuevos
Moongarden, mas modernos, mas en la linea actual de las tendencias del nuevo
progresivo, aunque suenen a cosas ya oidas... hay que darles un voto de
confianza y esperar a ver nuevos trabajos de esta banda italiana, creo que
prometen y mucho.
Puntuacion: 6.5/10
Salu2 WilsonYorkeprogresivos
© Juan
progjuan@hotmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973)
Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973)
Discografica: Bla Bla
Temas:
1. Sequenze e frequenze (16:22)
2. Aries (strumentale) (5:27)
3. Aria di rivoluzione (5:02)
4. Da Oriente ad Occidente (6:33)
Musicos:
- Franco Battiato Gesang, VCS 3, Gitarre, Klavier
- Gianni Mocchetti Gitarre, Mandoline, Gesang
- Gianfranco D'Adda Percussion
Invitados:
- Gianni Bedori Saxophon
- Gianfranco Robertson Violoncello
- Daniele Cavallanti Klarinette, Saxophon
- Gaetano Galli Oboe
- Rossella Conz Soprangesang
- Jutta Nienhaus Soprangesang, Rezitation
En 1973 Franco Battiato realiza un giro brusco, tenemos en su tercer trabajo
"Sequenze e Frequenze" 16 minutos de musica ELECTRONICA hipnotizante y
minimalista, donde la voz de Battiato ya no suena igual, lo cosmico se
adueña del concepto musical de Battiato, su lado mas Stockhausen(iano)
aflora y se antepone a lo folk y tradicional italiano mostrado en sus dos
anteriores trabajo, ha nacido la electronica ambiental germana a la
italiana.
Sequenze e frequenze parece entrar en un bucle sin fin y no digamos de
"Aries" algo mas tribal pero no menos atmosferico, solo el saxo de Gianni
Bedori nos trae sonoridades conocidas en forma jazzera.
Luego en Aria di rivoluzione, la voz de Vattiato en forma de rogatorio se
confunde en lo cosmico y en lo tribal, junto a violonchelos, oboes,
clarinetes... y el sonido inconfundible de la VCS 3 de Battiato.
Como una obra de musica sacra acaba el album con "Da Oriente ad Occidente",
un bello tema con unos fragmentos delicados de Oboe y mandolina.
Puntuacion: 7.5/10
Salu2 desde la Corde di Aries
© Juan
Progjuan@hotmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Aktuala: "Aktuala" (1973)
Aktuala: "Aktuala" (1973)
Discografica: Bla Bla
Temas:
1. When The Light Began
2. Mammoth R.C
3. Altamira
4. Sarah' Ngwega
5. Alef's dance
6. Dejanira
Musicos:
- Walter Maioli (flute, harmonica, oboe)
- Daniele Cavallanti (sax)
- Antonio Cerantola (guitar)
- Lino "Capra" Vaccina (percussion)
- Laura Maioli (percussion)
Discografia:
- Aktuala 1973
- La terra 1974
- Tappeto volante 1976
Aktuala fue una banda milanesa formada en 1972 por Walter Maioli, que edito
su primer album homonimo para Bla Bla.
La apuesta musical de Aktuala consistia en mezclar sonidos y ritmos etnicos
(africanos, norteamericanos y asiaticos) en tono de experimentacion,
improvisacion, vanguardismo y psicodelia de pasajes oniricos y mediaticos,
carente de emotividad pero abundante de expresividad, una busqueda de una
nueva apuesta musical en base a un equipo formado por un musico jazzero como
resulya ser el saxofonista Daniele Cavallanti, amantes de la psicodelia como
es el guitarrista Antonio Cerantola, de lo etnico como son sus dos
percusionistas Lino y Laura y de la improvisacion y experimentacion como
resulta ser su lider Walter Maioli.
... podriamos catalogarlo de "World music fusion progresiva", por entonces
tambien decian que era el NUEVO JAZZ, pues no estaban muy equivocados.
Puntuacion: 6/10
Saludos mediterraneosprogresivos
© Juan
progjuan@hotmail.com
PD: «Non si può fare musica naturale, se non si vive una vita naturale»
Walter Maioli
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972)
Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972)
Discografica: Phonogram
Web: www.mauropelosi.it
Temas:
1. Paura (4:31)
2. Cosa aspetti ad andar via (3:20)
3. Vent'anni di galera (3:41)
4. Vendero' (2:13)
5. La stagione per morire (3:25)
6. E dire che a maggio (3:57)
7. Che poi non e'vero (2:27)
8. Caro amico (4:03)
9 Suicidio (6:21)
Musicos:
- Mauro Pelosi: Textos y Musica
- Detto Mariano - Arreglos y direccion
- Danñ B. Besquet: Bajo
- Ronnie Jackson: Guitarra
- Mike Logan y Gianni Leone: Mellotron y moog
- Dave Baker Osvaldo colombino Gianni Stinga: Bateria y percusiones
- Flavio: Piano y organo:
Discografia:
- 1972 - La stagione per morire
- 1973 - Al mercato degli uomini piccoli
- 1977 - Mauro Pelosi
- 1979 - Il signore dei gatti
Mauro Pelosi "Il Signore Dei Gatti" fue un cantautor romano nacido en 1974
que edito 4 discos en los 70's, quizas la apuesta musical de Mauro Pelosi no
se pueda considerar 100 % progresiva, yo la clasificaria como Musica pop
ligera "Progresiva" o Art-Rock "Sofisticado", lo cierto es que detras de la
particular voz, de tono desilusinada, amarga y tristona y de las propias
letras de Mauro, hay muy buenos arreglos orquestales e instrumentales, no en
vano participaron en el album junto a Mauro gente tan conocida como Gianni
Leone al mellotron y Moog.
La musica de Mauro es sencilla, muy acustica ... su caracteristica principal
es el tono que respira el album, un tono triste y melancolico con sabor
amargo, ayudado de las continuas cortinsa de teclados (mellortron y moog).
"La Stagione Per Morire" fue su album debut editado por Phonogram,
previamente habia editado un single que contenia " vent'anni di galera"
(cara A) y "suicidio" (cara B).
Todos los temas siguen una linea muy parecida, si tuviera que elegir algun
tema me quedaria con (5) "La stagione per morire" y (7) "Che poi non e
vero", acustica y sencilla pero de alta carga emocional, pero para emocional
la que cierra el album (9) "Suicidio" con un gran trabajo de teclados.
Un album que como minimo hara las delicias de aquellos fans de la musica pop
ligera italiana y porque no, a algun fans progresivo poco exigente y
enganchado a todo lo que suene a italiano.
Salu2 simplementeitalianos
© Juan
progjuan@hotmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973)
mercato degli uomini piccoli
Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973)
Discografica: Phonogram
Temas:
1. Al Mercato Degli Uomini Piccoli 4'17
2. Un Mattino 4'53
3. Ehi! Signore 5'10
4. Non Tornano Piu 4'30
5. Con Te 3'45
6. Ti Portero'Via 5'33
7. No, lo Scherzo 4'14
8. Mi Piacerebbe Diventar Vecchio lnsieme ATe 4'52
Musicos:
- Mauro Pelosi: Textos y Musica
- Pinuccio Pirazzoli - Arreglos y direccion
- Danñ B. Besquet: Bajo
- Ronnie Jackson y Bambi Fossati: Guitarra
- Mike Logan y Gianni Leone: Mellotron y moog
- Dave Baker Osvaldo colombino Gianni Stinga: Bateria y percusiones
- Flavio: Piano y organo:
"Al mercato degli uomini piccoli" fue el segundo album para la Phonogram del
cantautor "triste" italiano Mauro Pelosi, a diferencia del primero, este no
es tan depresivo pero es igual de triste y melancolico con una gran carga
emocional incluida tambien en sus letras.
Todos los temas parecen cortados por el mismo patron, pero si tuviera que
elegir algun tema me quedaria con (2) "ehi! signore", (5) "Con te" y (6)
"Ti Portero'Via"
Las ventas de este album no fueron muy bien y recibio un aviso en forma de
!!! CAMBIA DE ESTILO !!! a lo que Mauro Pelosi se nego y emprendio un viaje
al Oriente donde siguio escribiendo y componiendo musica. Pasaria 4 años
hasta la edicion de su tercer trabajo y otros dos años para su cuarto y
ultimo trabajo.
Salu2 melancolicosprogresivos... progitalianos
© Juan
progjuan@hotmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Franco Battiato: "Fetus" (1972)
Franco Battiato: "Fetus" (1972)
Discografica: Bla Bla/Ricordi
Temas:
1. Foetus 2:38
2. Una Cellula 2:57
3. Cariocinesi 2:01
4. Energia 3:06
5. Fenomenologia 5:00
6. Meccanica 6:11
7. Anafase 5:34
8. Mutazione 2:51
Musicos:
- Franco Battiato (Synthesizer, Keyboards, Vocals, VCS 3 Synthesizer)
- Gianni Mocchetti (Bass, Vocals)
Invitados:
- Sergio Almangano; Gianfranco D'Adda; Alberto Mompelli; Gianni Mochetti;
Elisabetta Pezzera y Riccardo Rolli.
Tras colaborar en el album de Osage Tribe "Arrowhead" en 1970, Francesco,
"Franco" Battiato nacido en 1945 en Jonia (Catania; Sicilia Oriental) graba
para la discografica Bla Bla de Pino Massara su album debut "Fetus",
subtitulado "" Ritorno al mondo nuovo" una obra inspirada en la obra "Un
Mundo Feliz" del escritor ingles Aldous Huxley.
Un album futurista, vanguardista, experimental, musica atemporal y original
que combina pasajes electronicos, homenaje a su maestro Stockhausen,
sintetizadores, bateria electronica y el famoso Organo VCS3, efectos de
sonido, voces dulces y con una portada provocadora de un feto humano
La entrada de (1) "Fetus" es espectacular, comienza con el relato de la
historia cantada dulcemente, acabando con unos epicos arreglos electronicos
y unas voces que me recuerdan al Vangelis de "Inferno". Llega a continuacion
(2) "Una cellula" un tema de tono pop que da paso a un tema alegre como es
(3) "Caricionesi".
- (4) "Energia" comienza con el dialogo de un niño con un fondo de teclados
electronicos que se funden en unos pasajes muy sinfonicos para dar paso a
(5) "Fenomenologia" nos trae de nuevo al Battiato mas pop y folk, de nuevo
unos coros religiosos dan paso a (6) "Meccanica" con una estupenda entrada
de sintetizadores, pianos y bateria electronica... un violin da paso a la
voz de Battiato, que en esta ocasion me recuerda a la de Aldo Tagliapietra
de Le Orme.
Una delirante e incansable rasgeo guitarrero con coros femeninos
electronicos. El tema da un giro completo, de fondo con una conocida pieza
de musica clasica sirve de acompañamiento para la conversacion de dos
austronautas...
- (7) "Anafase" otro tema acustico y pop en su inicio pero como sucede en
temas anteriores, pasajes electronicos con efectos de sonido rompen el tema
en dos para acabar de nuevo con la sintonia que abria el tema.. Acaba el
album con la no menos interesante (8) "Mutazione".
Puntuacion: 7.5/10
Salu2 folkelectronicoprogresivos
© Juan
progjuan@hotmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: Alberto_Albas <ALBERTOALBAS@terra.es>
Asunto: Documentales musicales
Hola cajeros, anunciar que durante los meses de Octubre y Noviembre se
celebra en Barcelona (Teatro Principal, La Rambla n.27) y Madrid (Cine Rex,
Gran Via n.47) un festival de cine documental musical, que como minimo tiene
dos clarisimos puntos de interes, uno es un documental sobre Robert Moog y
su famoso invento, y el otro es un documental sobre los incicios del
underground y la psicodelia en Sevilla (y algo en Barcelona). De este
documental he tenido la ocasion de ver un fragmento y es muy recomendable,
conteniendo imagenes antiguas de conciertos de Smash, Maquina, etc. y
entrevistas con la mayoria de participantes del movimiento.
Aqui teneis los detalles :
SABADO
Barcelona: 23 Octubre
Madrid: 13 Noviembre
23:50 h [74 min.]
MOOG ::
Hans Fjellestad, EEUU 2004
Sin Robert Moog y su revolucionario sintetizador no hubiesen existido ni el
rock progresivo ni, posiblemente, el techno. Apasionante documento sobre el
mitico (y excentrico) inventor con aportaciones de gente como Stereolab,
Rick Wakeman, DJ Spooky, Keith Emerson, Money Mark y otros herederos de su
legado.
MARTES
Barcelona: 19 Octubre
Madrid: 9 Noviembre
20:00h [90 min.]
UNDERGROUND :: THE CITY OF THE RAINBOW
Gervasio Iglesias, España
Recuperando una parte olvidada de la historia, el underground sevillano de
los setenta vuelve a la vida en esta obra magica. Primo hermano de la Gauche
Divine, el movimiento arremolino a jovenes americanos de las bases cercanas
y a musicos locales (Smash, sin ir mas lejos), creando una vanguardia
cultural que resulta fascinante incluso hoy.
Toda la informacion en : http://www.in-edit.org/
Hasta otra,
Alberto Albas.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: Alberto_Albas <ALBERTOALBAS@terra.es>
Asunto: Documentales musicales (2)
Hola, sobre el festival de cine musical documental tambien he visto de
interes esto :
SABADO
Barcelona: 23 Octubre
Madrid: 13 Noviembre
18:00h [70 min.]
HAACK :: THE KING OF TECHNO
Philip Anagnos, EEUU 2003
Pionero de la experimentacion electronica en los 60's, el afable Bruce Haack
dedico su vida a inventar instrumentos y enseñar musica a los niños mediante
discos extraños y trucos infalibles. Espirales, animales psicodelicos y un
universo de moogs de donde beberian Beastie Boys y Mouse on Mars.
Saludos,
Alberto Albas.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: Gabino Perez <gabiprog@yahoo.es>
Asunto: Far East Family Band en 1976
FAR EAST FAMILY BAND: "PARALLEL WORLD" (1976)
Hola a todos.
Enlazando con la incursion en LCDM 602 de Juan Mellado
en ese primer proyecto japones llamado FAR OUT, que
mas tarde evolucionara hasta FAR EAST FAMILY BAND,
aprovechare para señalar ligeras correcciones sobre
algun dato descrito en sus comentarios al respecto de
la discografia de la formacion y la aparicion de
Kitaro en sus formaciones.
Masanori Takahashi, mejor conocido como KITARO, entro
ya en esta banda a partir de la grabacion de THE CAVE
DOWN TO THE EARTH en el año 1974. Despues vendria
NIPPONJIN, persistiendo un estilo claramente
Floydiano, hasta finalmente editarse en 1976 PARALLEL
WORLD.
En PARALLEL WORLD la formacion es la siguiente:
Masanori Takahashi, mas conocido como "Kitaro"
(teclados, percusion)
Fumio Miyashita (guitarra, teclados)
Akira Fukakusa (bajo)
Akira Ito (teclados)
Hirohito Fukushima (voz, guitarra)
Shizuo Takasaki (bateria).
La edicion del compacto del año 2002 cuenta con los
siguientes cortes:
1. Metempsychosis
2. Entering - Times
3. Kokoro y
4. Parallel Word: Suite estructurada en seis partes
que alcanza los treinta minutos de duracion.
Aqui nos encontramos con una mayor impregnacion de
Klaus Schulze en los resultados finales. La ya
existente amistad y evidente influencia del teclista
aleman en anteriores trabajos con el sexteto japones
eclosiona en esta grabacion donde Schulze colabora en
labores de produccion, arreglos y mezclas.
Los grandes riffs guitarreros sicodelicos, baladas
afmosfericas y los pequeños momentos etnicos dan paso
a un mayor predominio de los teclados y del space-rock
mas electronico, dicho de otro modo, las referencias a
los Pink Floyd de Meddle y Ummagumma continuan pero
son claramente diluidas por largos pasajes
instrumentales donde los teclados se alzan como
protagonistas absolutos en largos vuelos espaciales,
dejando escasas ocasiones, que las tienen, de
lucimiento a guitarra y bateria. En definitiva, las
referencias a Moondawn de Schulze y al futuro,
entonces inmediato de Kitaro se perciben a lo largo
de los sesenta minutos que completan los cuatro
cortes. FAR EAST FAMILY BAND consigue un trabajo con
personalidad, a pesar de las muy citadas referencias.
NIPPONJIN, su anterior album, goza de muy buena
prensa, en mi opinion merecida, sin embargo no hay que
olvidar para nada este disco el cual merece un buen
lugar para los amantes del space-rock y la musica
planeadora. Un buen trabajo todo el, donde ya solo la
suite final merece conseguir una copia.
En 1977, y sin Kitaro en la formacion, editarian
TENJUKIN, pero eso es otra historia.
Saludos a todos.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Matraz: "Gritare" (2004)
Matraz: "Gritare" (2004)
Dicografia: Mylodon Records
Temas:
1. Gritare (7:47)
2. Redencion (6:19)
3. REM (4:21)
4. Sangre Derramada (11:39)
5. Trazma (5:46)
6. Condor (6:29)
7. Sobreviviente (18:33)
Musicos:
- Diego Aburto: Teclados, Piano
- Claudio Cordero: Guitarras
- Jorge Garcia: Bajo
- Loreto Chaparro: Voz
- Marcelo Stuardo: Bateria, vibrafono, percusiones
... dentro de la mediocridad existente del Metal progresivo mas alla de
Dream Theater, ACT, POS, Symphoñ X, Fates Warning, Queensryche y alguno
mas, aparece esta banda chilena de metal progresivo llamada Matraz.
Matraz grabo su primer disco "Tiempo" en 1999 para el sello chileno Mylodon
Records y este año 2004 lanzan "Gritare", mi sorpresa fue mayuscula al
comprobar la frescura, originalidad y dominio compositivo e instrumental que
demuestran en este trabajo los musicos de Santiago de Chile, lo mas
sinfonico se funde a la perfeccion al Metal Progresivo con pinceladas
jazzeras, creando una musica original y fresca y con letras en español lo
cual se agradece.
Comienzan con uno de los temas que mas me gustan del album (1) "Gritare" un
tema Metal epico progresivo muy cercano a composiciones de Dream Theater,
donde los teclados de Diego Aburto buscan un espacio sinfonico, pero
frustrados por la guitarra muy petrucciana de Claudio Cordero y la seccion
ritmica, adueñandose de la situacion y creando un tema en su globalidad muy
metalico y duro. Loreto Chaparro se encarga de amansar con su melodica voz
en un intermezzo muy sinfonico con un piano muy jazzy, menuda mezcla,
verdad? pero al final lo metalico se vuelve a imponer.
Esta onda metal progresiva a lo Dream Theater continua con (2) "Redencion" y
(3) "REM", este ultimo con un solo de piano casi jazzero que descoloca un
poco ante lo que continua.
Escuchando el casi instrumental de casi 12 minutos de duracion (4) "Sangre
derramada" piensa uno que todavia hay esperanzas en este estilo, las lineas
de piano a cargo de Diego Aburto son formidables y la seccion ritmica
dinamica dominada por el bateria Marcelo Stuardo ayudado por el bajo de
Jorge Garcia junto a una guitarra poderosa plena de riffs a cargo de Claudio
Cordero. Lo cierto es que las voces femeninas no son mi predileccion pero en
este caso la interpretaron desgarrada y poderosa de Loreto Chaparro me
encanta.
Sigue la tonica metalica del segundo tema, con (5) "Trazma" pero todo se
rompe con un tema jazzero (si JAZZero) como resulta ser (6) "Condor", la
intervencion solista de piano de cola a cargo de Diego Aburto.
El album acaba con una suite titulada "Sobreviviente" donde esa fusion de
los sinfonico con el Metal se hace mas patente si cabe, resultando una gran
composicion en forma de suite, con grandes espacios sinfonicos para los
teclados y la voz de Loreto Chaparro, quizas por su longitud resulte algo
pretenciosa y excesivamente larga.
Los fans del Metal Progresivo sinfonico tienen aqui a una banda que dara
mucho que hablar, sino tiempo al tiempo
Puntuacion: 7/10
Salu2 metalprogresivossinfonicos
© Juan
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de Faust
FAUST: So Far (1972)
Temas
1. Its a Raiñ Day, Sunshine Girl
2. On the Way to Abamae
3. No Harm
4. So Far
5. Mamie is Blue
6. Ive Got My Car and My TV
7. Picnic on a Frozen River
8. Me Lack Space...
9. ... In the Spirit
Integrantes
- Zappi Diermaier: bateria, percusion, canto
- Hans Joachim Irmler: teclados, efectos, canto
- Jean Herve Peron: bajo, guitarra, trompeta, canto
- Rudolf Sosna: guitarras, teclados, efectos, canto
- Gunther Wusthoff: saxos, sintetizador, canto
Tras su sorprendente disco debut, Faust volvio a la carga con otro disco
impresionante, que en esta ocasion contenia temas de menor duracion y con
una estructura mas uniforme para cada uno. Esto no quiere decir que la
extravagancia haya sido dejada de lado o atenuada: nada de eso. Lo que
sucede es que en este nuevo repertorio, la gente de Faust pasa a
concentrarse mas en el formato de cancion y crear una personalidad
especifica mas claramente marcada para cada pieza; pero es en el contexto
integral de So Far como un todo que el oyente puede seguir apreciando el
estilo variopinto y alevosamente estrambotico que constituye la marca propia
de la banda.
El tema inicial Its a Raiñ Day Sunshine Girl se apoya sobre una pauta
ritmica mecanicamente tribal, contundente pero sin explotar ni desbordarse,
manteniendo ese aire de tonta diversion que se extiende hacia su letra
monotona e infantilmente simple es claro el tono de cinismo y broma que
brota aqui, como si de un porrazo quisieran tomar distancia de las
ambiciones estilisticas que habian formado los tres extensos temas de su
disco anterior. Acto seguido viene el delicioso instrumental bucolico On
the Way to Abamae, donde la guitarra acustica elabora unos acordes
liricamente deliciosos, rodeada por algunas brisas aleatorias de un organo a
la vez presente y distante. Tras este reposo de serenidad viene No Harm,
un numero se inicia con un motivo de corte casi epico, para luego pasar a
una combinacion de blues electrico y el rock psicodelico pesado de una forma
notablemente salvaje. Los gritos excitados del final ponen un broche
oportunamente neurotico a un tema tan explosivo como desconcertante. La
linea psicodelica es explotada en su paroxismo en Mamie is Blue, una pieza
que coloca a Faust mas cerca de lo habitual de varios colegas de la onda mas
oscura del krautrock. El tema homonimo, y luego Picnic on a Frozen River
exploran por los senderos del jazz rock, mientras que Ive Got My Car and
My TV y el tema de cierre ...In the Spirit recogen la influencia del
Zappa mas burlon. El instrumental que sirve de prologo para ...In the
Spirit, titulado Me Lack Space..., consiste en una serie concreta de poco
menos de 1 minuto de duracion, conformada por acordes de saxo, trompeta,
piano y guitarra acustica en una serie disonante: Faust apela de manera
directa a la vanguardia academica deconstruccionista.
En resumen, So Far resulta otro disco interesante (por lo menos) de Faust,
y tan recomendable como el anterior para quienes esten interesados en
investigar en la vertiente mas desafiante e inescrutable del progresivo.
Cesar Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Devil Doll - Sacrilege of Fatal Arms (1993)
Devil Doll : "Sacrilege of Fatal Arms" (1993)
Devil Doll, un sacrilegio de brazos fatales:
Primero, a que suena Devil Doll?, que clase de pregunta, pues, al mas
descabellado concepto musical tipo Arthur Brown mezclado con corrientes
noventeras de rock-gotico junto a cierta influencia electrificante de
Recoil, proyecto paralelo de Alan Wilder (Depeche Mode) [recomiendo que
escuchen su primer disco]. Para darse una idea a que suena la voz de Mr
Doctor (lider del grupo) piensen en la seccion donde Peter Gabriel canta en
The Lamb como Doctor Dyper con un toque de Marylin Mason y King Diamond,
jeje.
Hace poco llego a mis manos su disco "Sacrilege of Fatal Arms", creo que una
reedicion de "Sacrilegium" si no me equivoco (me corrigen si no es asi), la
verdad este es el primer disco que escucho detenidamente de esta particular
banda. Siempre me habian hablado maravillas de la singular esencia y ese
"culto al no-existo" de Mr. Doctor; por otro lado todas las criticas que he
leido de sus discos casi ninguna le da una nota baja.
La verdad es que cuando escuche el disco completo no senti que estuviera
escuchando nada fuera de este mundo, vamos, no me movio mucho que digamos
[percepcion muy personal] claro, el grupo es extremadamente "freaky" y
demasiado "rompedor" de conceptos musicales y ademas es mi primer
acercamiento al grupo, quiza sus otros discos sean mejores y yo este
completamente equivocado en este instante.
Cuando digo que DD es un grupo rompedor de conceptos musicales me refiero a
que mezclan y juegan mucho con "viñetas musicales", es decir, pequeñas
secciones musicales que resultan a veces bufonescas, tetricas y hasta algo
absurdas. Solo basta escuchar los primeros 5 minutos del largo tema de 79
inagotables minutos; se escucha una intro con afinacion de cuerdas, un
publico que aplaude, una fanfarria media carnavalesca que me recuerda a una
corrida de toros, un dialogo de algun emperador romano seguido de un coro
infernal cantando saaacrileeeeegiummmmm, una suave y delicada pieza con
piano acustico para dar paso a ese goth-rock a lo Lacrimosa/Nightwish, se
imaginan lo que viene despues??...coros angustiantes, cambios pero muchos
cambios, secciones de cuerdas, arreglos orquestales con voces de fondo,
locuras, locuras, un organo de tubos sombrio a lo Bach, ciertas secciones
con acordeon que me recuerdan a la pelicula francesa "La ciudad de los niños
perdidos", un tango medio satanico, y una coda que emula al movimiento
"Mars" de la suite de Los Planetas de G.Holst, IMAGINENSE!!; ahh, al final
hay unos minutos donde no se escucha nada y luego se escucha un tipo
enterrando a alguien con cuervos de fondo y un mensaje medio mefistofelico,
ni hablar, la banda sonora para un relato de E.A.Poe o una serie de terror
Clase B.
Escuchen del minuto 20 al 30, sin duda los 10 mejores minutos del disco.
Nota: el disco se puede conseguir por aca:
http://shopping.theendrecords.com/s.nl/sc.2/category.12/it.A/id.64/.f
http://www.metal-observer.com/articles.php?lid 1&sid 1&id 151
http://www.letssingit.com/?http://www.letssingit.com/devil-doll-f3rxx.html
(Letras del disco)
Disco recomendable para personas con oidos muy abiertos y sumamente libres a
cualquier estilo musical. Mu Mu bueno, escuchenlo ya.
Saludos desde el infierno;
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
----------------------------------------------------------------------------
Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Yes / "Close to the Edge"
Yes : "Close to the Edge"
1. Close to the Edge (Anderson/Howe - Musica por Yes) - 18:36
2. And You and I: (Anderson/Bruford/Howe/Squire) - 10:13
3. Siberian Khatru (Anderson/Howe/Wakeman) - 8:57
Formacion:
- Rick Wakeman - Teclados
- Jon Anderson - Voces
- Bill Bruford - Percusion, Bateria
- Steve Howe - Guitarra, Voces
- Chris Squire - Bajo, Voces
- Yes - Arreglos, Produccion
- Roger Dean - Disenio, Fotografia, Pinturas, Logo, Arte de Tapa
- Eddie Offord - Productor
- Martin Adelman - Fotografia
Si con "Fragile" (1971), Yes consigio dar forma a buena parte de sus
exquisitos propositos musicales; fue con la edicion de "Close to the Edge"
(13/09/72) que la musica del grupo (en verdad) llego a la cumbre de la mano
de la su formacion mas recordada. No hay lugar a dudas que en este disco
todos los musicos se lucen (y como!!). Bruford elaborando extranias y
majestuosas telaranias ritmicas; Jon Anderson con su extraordinaria voz y
haciendo letras misticas; Rick Wakeman usando al maximo (y con maestria)
todos los teclados disponibles en aquella epoca; un milagroso Steve Howe que
(casi) hacia "hablar" a sus guitarras y Chris Squire, un "monstruo" capaz de
derretir muros sonicos con su imbatible bass guitar. De seguro, esta fue la
epoca en que el quinteto estuvo mas cerca de convertirse en los "superheroes
sinfonicos" de miles de jovenes aldrededor del mundo (y no solo por las
capas que usaba Wakeman...)
Segun Anderson: "Creo que habia un sentimiento unificado en la banda con
respecto a "Close To The Edge" que tuvo que ver con el tiempo. Nunca podria
volver a suceder de la misma manera. Tuvo que ver con el tiempo, tuvo que
ver con Londres, tuvo que ver con los Estudios Advision (en donde se grabo),
tuvo que ver con la atmosfera... en realidad fue una sensacion colectiva de
que nos estabamos embarcando en algo nuevo, en un territorio inhallado. Y
todo eso es lo que hace de "Close to The Edge" la obra perenne en que se
convirtio..."
Por su parte, Bruford recuerda al album de esta manera: "Si hubiesemos
sabido lo horrible que seria el proceso (de grabacion), nunca lo hubieramos
intentado. Imaginate cinco tipos tratando de escribir una novela al mismo
tiempo... fue una tortura. No habia arreglos escritos de antemano, ni
tampoco habian muchas cosas compuestas. Para colmo, en el medio de la
grabacion teniamos que salir de gira o se nos rompian los equipos... Asi que
un tema podia quedar en la mitad y ser continuado al dia siguiente. Por todo
esto, puedo decir que fue un milagro que lo hayamos podido llevar adelante.
Nos ayudo que tuvieramos a nuestro lado a (el ingeniero) Eddie Offord, capaz
de cortar una cinta master de dos pulgadas y pegarla con otra cinta en solo
dos veces. Porque esto es lo que se hacia en la era pre-digital. El poder
cortar pedazos de cinta y ensamblarlos con otros fue fundamental en la
grabacion de la musica de Yes. A veces, haciamos un fragmento de treinta
segundos y pensabamos: 'Bueno. Y ahora que viene?'. Entonces parabamos la
cinta y escribiamos otro segmento de treinta segundos y lo grababamos... Era
como trepar el monte Everest de a poco..."
Wakeman dice que lo que sentia, en la epoca de "Close to the Edge", era una
"sensacion de poder, porque tanto la compania discografica como los managers
ni se aparecian por el estudio. Sabian que el grupo (ahora) era exitoso y (a
efectos practicos) nos dejaban hacer lo que quisieramos. En Estados Unidos
se habian enamorado del album anterior ("Fragile"), y Yes tenia casi un
'cheque en blanco' en lo que a grabacion se refiere. Sabiamos que teniamos
algo especial para ofrecer, pero ademas (como musicos) estabamos adelantados
a tecnologia, a los estudios de grabacion y a las companias discograficas.
Estas no sabian que estabamos haciendo, pero (mientras les diese dinero) no les
preocupaba. Ese era el secreto de Yes, y nosotros lo sabiamos..."
El primer tema era (como no!) el epico y majestuoso "Close to the Edge",
uno de los temas mas complejos, estructurados y majestuosos de la
historia del Rock. Con respecto a este tema, Anderson declaro: "Close
to the Edge esta cerca del borde de la realizacion, y me refiero a la
realizacion personal porque ese era el tema del album. Esta tambien basado en
un libro que habia leido: "Siddhartha" (de Hermann Hesse). Yo creo que en ese
momento estabamos cerca del borde de realizar nuestro potencial como musicos y
como artistas, para poder saltar a un nuevo mundo musical, y de hecho lo
hicimos. El album nos impulso hacia una musica totalmente progresiva que aun
nos enorgullese mas de veinte anios despues..."
Con respecto al contenido de la letra, Anderson reflexionaba que:
"El contenido de la letra fue como la secuencia de un suenio. Justamente, la
estrofa final se refiere a un suenio (que tuve hace mucho) acerca de pasar de
este mundo a otro. Pero recuerdo de haberme sentido tan bien en el suenio que,
desde entonces, la muerte no me atemorizo nunca mas. Hay varias frases que
tienen que ver con la Iglesia. Muchos que frecuentan las iglesias se estan
peleando para ver quien es 'el mejor', 'el mas rico' o 'el mas listo'. Por eso
(al final de la seccion media del tema) hay un majestuoso organo de iglesia y
luego lo 'destruimos' con el sonido del Moog. Y eso nos lleva a otro sonido de
organo, como regocijandonos con el hecho de que podes darle la espalda a las
iglesias y encontrarlas en vos mismo; es decir, ser vos mismo 'tu propia
iglesia'."
Por su parte, Howe comenta que "el solo de organo de Wakeman, era en realidad
una parte de guitarra que sono mejor en el organo. En esa epoca, yo ya me
estaba acostumbrando a la idea de escribir musica para que la tocase otro."
El lado dos del disco comenzaba con la hermosa "And You and I", uno de los
temas preferidos de la banda. Este tema cristalizo buena parte de las
pretensiones e ideas musicales de Yes. Por ejemplo, Wakeman comento al respecto
que: "Este tema es una mini sonata para quinteto. Con diferentes movimientos
que se funden uno dentro del otro. El objetivo era realizar una pieza musical
que simbolizara todas las cosas por las cuales los fans nos amaban y los
criticos nos odiaban..."
Por su parte, Chris Squire sostiene que el fue el que escribio las partes
instrumentales de las secciones "Eclipse" y "Apocalypse" (partes media y final,
respectivamente, del tema).
En cuanto a "Siberian Khatru", Anderson dijo (alguna vez) que aunque el
titulo significa "invierno", trata justamente de lo opuesto: de los
suenios sobre "claros dias de verano".
Howe, por su parte, comenta que estaban muy contentos de como tocaban en vivo a
este tema y que (por eso) lo usaban para abrir los recitales de Yes.
En lo a que repercusion respecta, "Close to the Edge" consiguio entrar en el
"Top Five" en ambas orillas del Oceano Atlantico: puesto 4 en Inglaterra y
numero 3 en los Estados Unidos.Por eso, Yes se dispuso a realizar el tour mas
grande de su carrera.
Pero el futuro no solo traia rosas... sino alguna espina tambien.
(Bibliografia: Gracias a "Yesyears"; A. Rosso, H. Armas y E. Quintana)
Compilado por Emiliano Acevedo.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Yes / "Yessongs"
Yes : "Yessongs"
1. Opening [Excerpt from Firebird Suite] (Stravinsky) - 3:45
2. Siberian Khatru (Anderson/Howe/Wakeman) - 8:50
3. Heart of the Sunrise (Anderson/Bruford/Squire) - 11:26
4. Perpetual Change (Anderson/Squire) - 14:08
5. And You and I (Anderson/Bruford/Howe/Squire) - 9:55
6. Mood for a Day (Howe) - 2:52
7. Excerpts from "The Six Wives of Henry VIII" (Wakeman) - 6:35
8. Roundabout (Anderson/Howe) - 8:33
9. Your Move/I've Seen All Good People (Anderson/Squire) - 7:00
10. Long Distance Runaround/The Fish (Anderson/Squire) - 13:45
11. Close to the Edge (Yes) - 18:41
12. Yours Is No Disgrace (Anderson/Bruford/Howe/Kaye/Squire) - 14:21
13. Starship Trooper (Anderson/Howe/Squire) - 9:25
Producido por Yes y Eddie Offord
- Jon Anderson - Voces
- Bill Bruford - Bateria
- Steve Howe - Guitarra, Voces
- Chris Squire - Bajo, Voces
- Alan White - Bateria
- Rick Wakeman - Teclados
- Roger Dean - Ilustraciones, Disenio de Tapa, Escenografias
- David Gahr - Fotografia
- Martyn Dean - Fotografia, Ilustraciones
Luego de la realizacion de "Close to the Edge", Yes emprende una larga gira
norteamericana destinada a cimentar (para siempre) el prestigio musical del
grupo. Pero en ese preciso momento, una nueva crisis sacudio a la banda cuando
Bill Bruford se fue para tocar en King Crimson. Disconforme con los caminos
musicales que estaba tomando Yes y debido tambien a su mala relacion personal
con Squire, Bill se va. De esta forma, el baterista pudo hacer realidad su
ideal de tocar en la banda de Robert Fripp, una ambicion musical que hacia
tiempo que le quitaba el suenio. Esto se debia al hecho de que Bruford
encontraba en Crimson la posibilidad de ahondar sus intereses por el Jazz y la
Vanguardia, algo que no encajaba con los intereses musicales de Yes.
En resumen, Bruford sentia que ya habia dado todo lo que podia a Yes y
viceversa. El momento que eligio Bill para contar su decision fue muy poco
propicio y causo gran malestar en el seno del grupo. Sin embargo, ni Anderson,
ni Squire se sorprendieron. Por algo, desde hacia mucho tiempo, tenian en la
mira a Alan White como reemplazante. White era un veterano baterista que venia
de participar en varios proyectos, tocando con luminarias como Lennon, Dave
Mason, Clapton o Harrison.
Uno de los mas afectados en el seno del grupo por la ida de Bruford fue
Wakeman. Una noche, Brian Lane (manager del grupo) le dijo a Rick que Bill se
iba. Todos (en el grupo) tenian miedo de decirselo porque
Bruford era el mejor amigo de Wakeman, por lo que nadie descartaba la
posibilidad de que a Rick le agarrara una neurosis nerviosa (o algo asi) si se
enteraba; decidiendo el tambien dejar a la banda. Pero Wakeman se tomo al
asunto bastante mejor que lo que podria esperarse de el. Dicen que lloro y que
para el esto fue casi "como una grieta en la pared" de la fantasia que el habia
construido acerca de la leyenda de Yes. Quizas esta sea tambien una de las
razones esgrimidas cuando, cerca de una anio y medio despues, Wakeman tambien
decide irse del grupo declarando "que ya habia dado todo lo que podia por Yes."
Segun Wakeman: "Bruford era algo grande, un artista total. Nos compenetramos
tan rapidamente que cuando el se fue, las cosas ya no resultaron las mismas. El
era el bateria ideal de Yes y uno de los mejores musicos que jamas he conocido.
Golpeaba la bateria como pocos. Estabamos habituados a hacernos vibrar,
musicalmente, el uno al otro y me parecio que (sin el) yo iba a e!
star muy perdido en el grupo de ahora en adelante..."
En medio de toda esta situcion, se edita "Yessongs", album triple en vivo, el 4
de mayo de 1973. En el disco, White toca en la mayoria de los temas aunque
tambien se incluyen un par de temas con la participacion de Bruford, grabadas
poco antes de que Bill se fuera. El disco, en si, es
quizas el mejor album en vivo de la llamada "Era del art-rock", un movimiento
que mantuvo su auge hasta pasada la mitad de los '70. El album tambien tuvo
mucho exito comercial, y se transformo en la produccion mas vendida por el
grupo hasta ese momento, alcanzando el puesto siete en Gran Bretania y el doce
en los Estados Unidos.
En lo que respecta a los temas incluidos, "Yessongs" es un compendio
bastante coherente de los tres ultimos albumes de estudio del grupo, como de
algunos desfogues solistas por parte de Rick Wakeman, sacados de su primer
disco individual entitulado "The Six Wives Of Henry VIII". Todo esto hace que
este disco sea casi un virtual "grandes exitos (live)".
Algunas de las performances incluidas en "Yessongs" son superiores a las
originales de estudio, en especial "Siberian Khatru", Pero otras como "And You
and I" desmerecen de la original (incluida en "Close to the Edge").
Con respecto a la calidad sonora, podemos decir que las ediciones
remasterizadas, editadas a partir de 1995, revitalizaron un poco el pobre
registro sonoro que caracterizo a este disco desde siempre.
Un defecto sonoro que, sin embargo, no empanio ni un apice a la
extraordinaria reputacion y fama que tiene el registro dentro del mundo de la
musica rock de los '70.
(Bibliografia: "YesYears", A. Rosso, J. Serra i Fabra)
Emiliano Acevedo
----------------------------------------------------------------------------
Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Yes / "Tales From Topoghaphic Oceans"
Yes : "Tales From Topoghaphic Oceans"
1. The Revealing Science of God - Dance of Dawn (Anderson/Howe/Yes) - 20:23
2. The Remembering - High the Memory (Anderson/Howe/Yes) - 20:35
3. The Ancient Giants Under the Sun (Anderson/Howe/Yes) - 18:37
4. Ritual - Nous Sommes du Soleil (Anderson/Howe/Yes) - 21:33
- Rick Wakeman - Teclados
- Jon Anderson - Voces
- Steve Howe - Guitarras, Voces
- Chris Squire - Bajo, Voces
- Alan White - Bateria
- Producido por Yes y Eddie Offord.
- Roger Dean - Disenios, Ilustraciones, Dibujos de tapa, Disenio de logos
y tipografias
- Brian Lane - Produccion Ejecutiva
Este extrordinario album doble rompio el idilio de la banda con los criticos
especializados. A partir de esta produccion, el grupo fue acusado de ser
"pretencioso" o "autoindulgente". Sin embargo la banda estaba en la
cumbre de la perfeccion musical e instrumental. Como dice Steve Howe:
"Quizas, en algun lado, estaba escrito que nosotros teniamos que escribir
la version musical de la Biblia. Creo que con este disco estuvimos cerca
de lograrlo... estabamos haciendo el album de nuestras vidas. El raconto
de lo que habiamos sido hasta alli"
"Tales From...", editado el 9/1/74 (en EE.UU.), era un album complejo
que elevo la fantasia cosmica y mistica del grupo hacia una nueva dimension un
poco mas "espiritual", si se puede decir. El caso fue que si bien los fans
amaron al disco desde el comienzo, los criticos no estaban para nada conformes
con este album, al que consideraban como (demasiado) largo, aburrido y
pretencioso por demas. La fascinacion de Jon Anderson por las religiones de
oriente, nunca se habian manifestado en una forma tan clara como fueron
explayadas en esta produccion, y esto llevo a la musica del grupo a un nivel
poetico y filosofico casi incomprensible para muchos, incluido Rick Wakeman.
El rubio tecladista estaba claramente disconforme con el giro musical que habia
tomado Yes y asi lo explicaba: "No podes tocar lo que no entendes, y yo no
entendia nada de este disco."
Pero, como deciamos antes, para Anderson y Howe este era "el disco de sus
vidas". Ellos encontraron la inspiracion para realizar este album estando en
gira. En efecto, la idea inicial para este proyecto le surgio a Anderson (en
una gira por Japon) mientras leia la "Autobiografia de un Yogui" de Paramhansa
Yogananda. En este libro se habla de los Vedas y las escrituras shantricas,
textos sagrados de la religion hindu que cubren todos los aspectos de la
religion y la vida social; asi como tambien los campos de la medicina, la
musica, el arte y la arquitectura. Ademas estos textos contienen codigos
politicos, legales y morales. Anderson concibio entonces una composicion a gran
escala llamada "Tales from Topographic Oceans", que iba a tener cuatros partes
musicales interrelacionadas.
El primer movimiento se llama "The Revealing Science of God" - Dance of Dawn
("La reveladora ciencia de Dios" - "Danza del Alba"), la base de este tema son
los shrutis, textos religiosos sagrados transmitidos de generacion en
generacion. La letra ofrece una explicacion acerca de la "Ciencia Reveladora de
Dios", entendida como "una flor que siempre se esta abriendo". El movimiento se
desarrolla con una descripcion de la grandeza de la vida y el mundo y del
conocimiento de Dios por los hombres. En el centro tenemos al protagonista que
busca a traves de las dotrinas y los mandamientos tener un acercamiento a la
"Ciencia Reveladora de Dios"; y a traves de los cambios musicales nos podemos
dar idea de sus cuestionamientos internos, sus dudas e incertidumbres, pero por
sobre todo su constante afan de busqueda. Para Jon Anderson, este tema
simplemente "habla del 'amanecer de la luz', del poder y del amor".
El segundo movimiento llamado "The Remembering" - "High the Memory" ("El
Recordar" - "La Alta Memoria"), basado en los Surutis, muestra el desarrollo de
los pensamientos de la humanidad y tambien de sus miedos. Este movimiento narra
tambien como el hombre tiene presente a Dios a pesar de su ausencia y de la
retencion de ideas por la mente. La musica ayuda a recordar las experiencias
que se han sumado hasta formar la memoria acumulativa (y colectiva) de la raza
humana. La letra dice: "La alta memoria continua, los momentos permanecen...
navega por entre tus suenios... y la fortaleza los recupera en
nuestros propios tiempos. La historia es nuestra, continuaremos y buscaremos en
el bosque del sol. Soniamos al soniar y soniamos al unisono... y pienso
sinceramente que el sol te tomara silenciosamente."
El tercer movimiento es "The Ancient" - "Giants Under the Sun" ("Los Antiguos"
- "Gigantes Bajo el Sol") esta basado en los Puranas (18 colecciones de
leyendas con gran influencia aborigen). Este movimiento describe la "memoria
comunal" desarrollada por los estudiosos y los hambres sabios. Tambien se
recrea el sabor de las grandes civilizaciones perdidas que constribuyeron a la
formacion de la humanidad; y como para afirmar el recuerdo de esas pasadas
tradiciones, Los Antiguos recitan los nombres de primitivas divinidades del sol
(desde las romanas hasta las aztecas). Los cambiantes estilos musicales
reflejan tambien las cambiantes culturas.
Finalmente, el album llega a su "climax" con el movimiento llamado "Ritual" -
"Nous Sommes du Soleil" ("Ritual" - "Nosotros Somos del Sol"). El concepto
incluido en este movimiento esta basado en los Tantras y habla acerca de la
sabiduria de la vida y lo positivo del puro amor. Segun la letra, la vida es
una lucha entre el mal y el amor puro. El movimiento empieza con una
introduccion que recorre buena parte de los leitmotivs musicales desarrollados
en los tres partes previas, asi como un guinio a los fans con la auto-cita del
riff principal de "Close to the Edge". La letra comienza con el optimismo
extremo de haber alcnazado una utopia. Jon Anderson declaro al respecto: "Al
final de 'Tales From Topoghaphic Oceans' pusimos una cancion de amor, algo muy
personal. Creo que mucha gente necesita amor, fortaleza y una especie de
energia que los acaricie. Recuerdo, alguna vez, haberme
sentido totalmente
perdido, y tras escuchar a los Beatles cantar 'All You Need is Love", pense: '!
eso es...
de eso se trata.' Eso me produjo un rejuvenecimiento instantaneo."
Para terminar, podemos decir que, a pesar de las criticas negativas, el disco
fue un suceso comercial, ya que alcanzo el primer puesto en Inglaterra y el
sexto lugar en los Estados Unidos. Ademas fue el primer disco en obtener el
galardon de ser disco de oro antes de su salida, debido a la gran cantidad de
pedidos anticipados que registraron las disquerias. En resumen, "Tales..." fue
una obra musical y filosofica descomunal, que aun hoy sigue maravillando a
millones de fans que lo reconocen como una produccion musical unica y super
original ligada tanto a la mente como al alma humana.
(Bibliografia: A. Rosso, C. Kleiman, H. Armas, E. Quintana; "Yesyears")
Compilado por Emiliano M. Acevedo.
----------------------------------------------------------------------------
